Artista italiano Antonello da Messina: biografia, creatività e curiosità

2024 Autore: Henry Conors | [email protected]. Ultima modifica: 2024-02-12 09:19

Antonello da Messina è un famoso artista italiano. Nel primo Rinascimento rappresentò la scuola pittorica meridionale. Fu maestro di Girolamo Alibrandi, soprannominato il Messiniano Raffaello. Per ottenere la profondità del colore in ritratti nitidi e dipinti poetici, ha usato la tecnica della pittura a olio. Nell'articolo, presteremo attenzione a una breve biografia dell'artista e ci soffermeremo sul suo lavoro in modo più dettagliato.

Rappresentante della nuova direzione

Molte informazioni sulla vita di Antonello da Messina sono controverse, dubbie o perdute. Ma è del tutto evidente che fu lui a mostrare agli artisti veneziani le possibilità luminose della pittura a olio. Così, l'italiano ha gettato le basi per una delle aree chiave dell'arte dell'Europa occidentale. Seguendo l'esempio di molti altri artisti dell'epoca, Antonello unì la tradizione olandese della riproduzione otticamente accurata dei dettagli dell'immagine con innovazioni pittoriche. Italiani.

Gli storici hanno scoperto che nel 1456 l'eroe di questo articolo aveva uno studente. Cioè, molto probabilmente, il pittore è nato prima del 1430. Il napoletano Colantonio fu il primo maestro di Antonello da Messina, le cui opere verranno descritte di seguito. Questo fatto conferma il messaggio di J. Vasari. Proprio in quel momento, Napoli era sotto l'influenza culturale della Penisola Iberica, dei Paesi Bassi e della Francia, piuttosto che del Nord Italia e della Toscana. Sotto l'influenza del lavoro di Van Eyck e dei suoi sostenitori, l'interesse per la pittura aumentava ogni giorno. Si diceva che l'eroe di questo articolo avesse studiato da lui la tecnica della pittura a olio.

Maestro dei ritratti

Di nascita, Antonello da Messina era italiano, ma per educazione artistica era in gran parte legato alle tradizioni pittoriche del nord Europa. Dipinse superbi ritratti, che costituiscono quasi il trenta per cento delle sue opere sopravvissute. Solitamente Antonello raffigurava il modello busto e primo piano. Allo stesso tempo, le spalle e la testa erano poste su uno sfondo scuro. A volte in primo piano l'artista dipingeva un parapetto con annesso un cartellino (un pezzetto di carta con un'iscrizione). Esattezza e grafica illusorie nella trasmissione di questi dettagli indicano che sono di origine olandese.

Ritratto di uomo

Questo dipinto fu dipinto da Antonello da Messina nel 1474-1475. è una delle sue opere migliori. La tavolozza del maestro è limitata a ricchi tratti di carne marroni, neri e individualifiori bianchi. L'eccezione è il cappello rosso, completato da una striscia rosso scuro che fa capolino nell'abito inferiore. Il mondo interiore del modello disegnato non è praticamente rivelato. Ma il viso irradia intelligenza ed energia. Antonello lo modellò molto sottilmente con il chiaroscuro. Il disegno netto dei lineamenti del viso, unito ai giochi di luce, conferisce all'opera di Antonello un'espressività quasi scultorea.

È un uomo

I ritratti dell'italiano attirano lo spettatore con una superficie lucida e brillante e un formato da camera. E quando Messina trasferisce queste qualità nella pittura religiosa (il dipinto “Questo è un uomo”), allora la vista della sofferenza umana diventa terribilmente dolorosa.

Con le lacrime sul viso e una corda intorno al collo, il Cristo nudo fissa lo spettatore. La sua figura riempie quasi l'intero campo della tela. L'interpretazione della trama è leggermente diversa dal tema della pittura delle icone. L'italiano ha cercato di trasmettere l'immagine psicologica e fisica di Cristo nel modo più realistico possibile. Questo è ciò che fa concentrare lo spettatore sul significato della sofferenza di Gesù.

Maria Annunziata di Antonello da Messina

Questo lavoro, a differenza dell'immagine "Questo è un uomo", ha un umore completamente diverso. Ma da parte dello spettatore, richiede anche un'esperienza interiore e una partecipazione emotiva. Quanto a "Maria Annunziata", Antonello sembra collocare lo spettatore al posto dell'arcangelo nello spazio. Questo dà un senso di complicità mentale. La Vergine Maria, seduta al leggìo, tiene con la mano sinistra il velo azzurro gettato su di lei e alza l' altra mano. Femminacompletamente calma e premurosa, la sua testa scolpita uniformemente illuminata sembra irradiare luce sullo sfondo scuro dell'immagine.

“Maria Annunziata” non è l'unico ritratto busto di donna dipinto da Antonello da Messina. “L'Annunciazione” è il nome di un altro dipinto simile del pittore, che raffigura la stessa Vergine Maria, solo in una posizione diversa: tiene il velo azzurro con entrambe le mani.

In entrambi i dipinti, l'artista ha cercato di esprimere il sentimento della connessione spirituale di una donna con poteri superiori. La sua espressione facciale, la postura delle mani e della testa, così come il suo sguardo, dicono allo spettatore che Maria è ormai lontana dal mondo mortale. E lo sfondo nero dei dipinti sottolinea solo il distacco della Vergine.

S. Girolamo nella cella

Nelle immagini discusse sopra, non c'è nemmeno un minimo interesse per il problema del trasferimento dello spazio circostante. Ma in altre opere, il pittore in questo senso era significativamente in anticipo sui tempi. Nel dipinto S. Jerome in a Cell” raffigura un santo che legge su un leggio. Il suo studio si trova all'interno di un'aula gotica, sulla cui parete di fondo le finestre sono tagliate su due piani. In primo piano, l'immagine è incorniciata da un bordo e da un arco. Sono percepiti come proskenium (una tecnica comune nell'arte dei paesi a nord delle Alpi). Il colore senape della pietra enfatizza il contrasto di ombra e luce all'interno dello spazio simile a una grotta. I dettagli dell'immagine (paesaggio in lontananza, uccelli, oggetti sugli scaffali) sono trasmessi con un grado di precisione molto elevato. Questo effetto può essere ottenuto solo quando si applica una pittura ad olio piuttosto piccolacolpi. Ma il vantaggio più importante della pittura si Messina non è ancora nell'affidabile trasferimento dei dettagli, ma nell'unità stilistica dell'aria ambiente e della luce.

Altare monumentale

Nel 1475-1476 l'artista visse a Venezia. Lì dipinse una magnifica pala d' altare per la chiesa di San Cassiano. Purtroppo fino ad oggi è sopravvissuta solo la sua parte centrale, dove è raffigurata la Madonna con il Bambino svettante sul trono. Su entrambi i lati ci sono santi. Questo altare appartiene al tipo sacra conversione. Cioè, la Madonna col Bambino ei santi sono nello stesso spazio. E questo è opposto nella forma a un polittico diviso in parti. La ricostruzione dell' altare monumentale si basa sulle opere successive di Giovanni Bellini.

"Pietà" e "Crocifissione"

La pittura a olio di Antonello, o meglio, la capacità di trasmettere l'illuminazione con questa tecnica, è stata molto apprezzata dai suoi colleghi artisti. Da allora il colorismo veneziano si è basato unicamente sullo sviluppo del grande potenziale di una nuova direzione. Le opere di Da Messina del periodo veneziano seguono la stessa tendenza concettuale dei suoi primi lavori. Il dipinto pesantemente consumato "Pieta", anche in uno stato così danneggiato, riempie il pubblico di un teso sentimento di compassione. Sul coperchio della tomba, il corpo morto di Cristo è sorretto da tre angeli con ali appuntite che tagliano l'aria. L'artista ha raffigurato in primo piano la figura centrale.

È come se fosse premuto contro la superficie della tela. Empatia con la sofferenza raffigurata: ecco cosa ha ottenuto Antonello da Messina, utilizzando la tecnica di cui sopra. "Crocifissione" è un' altra immagine del pittore. È simile nel tema alla Pietà. La tela raffigura Gesù crocifisso sulla croce. Alla sua destra siede Maria e alla sua sinistra l'apostolo Giovanni. Come Pietà, il dipinto mira a evocare empatia nello spettatore.

San Sebastiano

Questo dipinto è un esempio di come Antonello gareggiò nella nudità eroica e nella padronanza della prospettiva lineare con i suoi omologhi del nord Italia. Sullo sfondo della piazza lastricata in pietra, il corpo del santo trafitto dalle frecce acquista dimensioni enormi. Lo spazio che precipita nel profondo, un frammento di colonna in primo piano e una prospettiva con un punto di fuga molto basso confermano che il pittore ha utilizzato i principi della geometria euclidea nella costruzione della composizione.

Fatti interessanti

• Antonello da Messina, i cui dipinti sono stati descritti sopra, di solito raffigurava i suoi eroi a busto, in primo piano e su uno sfondo scuro.
• Secondo G. Vasari, l'italiano si recò in Olanda per apprendere il segreto di una nuova tecnica pittorica. Tuttavia, questo fatto non è stato dimostrato.
• Fino ad ora, non è stato stabilito in modo affidabile chi abbia insegnato all'eroe di questo articolo la pittura a olio. Si diceva che fosse Van Eyck.